CONTENIDOS Y MATRÍCULA DE LAS V JORNADAS NACIONALES DE FORMACIÓN ESCÉNICA CUENCA A ESCENA 2022

Os presentamos los contenidos de los diferentes cursos que os ofrecemos este año, así como los precios de matrícula y alojamiento.

La mecánica es muy sencilla podeis elegir un único curso entre las opciones de la mañana y otro entre las de la tarde, esta es la opción más habitual realizar dos cursos en total . En todo caso por supuesto podeis acudir a un un solo curso en el horario que mejor os convenga, mañana o tarde. Para los que acudis de fuera de Cuenca os ofrecemos alojamiento en la residencia universitaria Bartolomé Cossio que se encuentra en el campus universitario de Cuenca, a cinco minutos a pié del lugar donde se encuentra las instalaciones de la Facultad de Periodismo y Comunicación Audiovisual donde se desarrollan las jornadas.

MATRICULAS

UN CURSO – 160€

DOS CURSOS

Franjas de matriculación

DEL 20 DE MARZO AL 20 DE ABRIL – 290€

DEL 21 DE ABRIL AL 21 DE JUNIO – 300€

DEL 22 DE JUNIO AL 30 DE AGOSTO – 320€

ALOJAMIENTO

SOLO ALOJAMIENTO HABITACIÓN INDIVIDUAL – 110€

SOLO ALOJAMIENTO HABITACIÓN DOBLE – 180€

ALOJAMIENTO Y MEDIA PENSIÓN INDIVIDUAL – 142€

ALOJAMIENTO Y MEDIA PENSIÓN DOBLE -222€

PRECIO PARA CUATRO NOCHES DE MIÉRCOLES 31 DE AGOSTO A SÁBADO 3 DE SEPTIEMBRE . SE ABANDONA LA HABITACIÓN EL DOMINGO DÍA 4 ANTES DE LAS 11 H.

  • EN CASO DE QUE LLEGUES A CUENCA EL DÍA ANTERIOR AL INICIO DE LAS JORNADAS MARTES DÍA 30 AÑADE A TU OPCIÓN DE ALOJAMIENTO 27´50 € POR LA PERNOCTA DE ESA NOCHE.

Para cerrar tu plaza en los cursos que elijas es condición indispensable descargarse la ficha de matriculación que os adjuntamos, rellenarla y enviarnosla al email : cuencaaescena@gmail.com Una vez recibida te indicaremos la formula de pago a realizar en las siguientes 48horas para cerrar la matricula.

NO se reservan plazas, por lo que os recomendamos formalizar la matrícula cuanto antes y además así os beneficiáis de los descuentos que hacemos según las fechas en las que la realicéis.

CURSOS EN HORARIO DE MAÑANA ( De 10 a 14h )

SILVIA GARZÓN Cia, Atalaya Teatro

LAS TRES DIMENSIONES DEL ACTOR (Acción-Palabra-Espacio Poético)

-Vivimos en un mundo de tres dimensiones, nuestros sentidos captan a través de la vista el oído y el sentido kinestésico, sí.

¿Qué tal si como actores creadores prestamos atención al manejo de estas tres Dimensiones?

Dimensión física: La acción de nuestro cuerpo y su proyección en el espacio.

Crearemos una partitura física con diversos “métodos creativos”. Le daremos un dinamismo y aprenderemos a manejarla en el espacio para transformar este en aquello que queramos hacer ver al espectador.

Dimensión sonora: La palabra. El texto como pretexto.

Desde su propio nivel expresivo, las palabras tienen una sonoridad. Las palabras se asientan en una acción interna o externa.

Aprenderemos cómo corporeizarla. La integraremos en las acciones buscando su organicidad y su impulso.

Dimensión espacial: Espacio poético.

El espacio puede cambiar desde mi relación con el otro, los otros, conmigo mismo, con el espectador, con el sonido, el uso del cuerpo y con el juego de objetos poéticos.

Gracias a la metáfora del objeto poético nuestro mensaje se verá apoyado y llegará de manera más eficaz a el público.

¿Quieres dar rienda suelta a tus capacidades creativas?

Primera sesión:

Creación de partitura física.

Principios biomecánicos de la acción.

Manos, mirada, pies en acción.

Dinamización de una partitura física.

Forma e información de la acción.

Reconocer un objeto poético.

Segunda sesión:

Dinamización de una partitura. (Ritmo-mirada-respiración)

Reducción de la partitura.

Organicidad de la acción creada.

Uso del espacio desde la acción creada.

Relación con el otro desde la acción. (Escucha-reacción-acción)

Acción y objeto poético.

Metáfora de la acción.

Personajes y energías.

Tercera sesión

Forma e información de la palabra.

Sincronicidad de la acción y el texto.

Ritmo-respiración/ tono/energía de la palabra en acción.

Elegir para contar. Domina la acción o el texto.

Objeto poético en acción

Cuarta sesión

Cuenta desde lo creado.

Elige el tipo de lenguaje de la partitura. (Grotesco. Poético. Dramático. Majestuoso)

Consanguineidad en la creación.

Descubre las diferentes posibilidades del espacio.

Metáfora en acción.

Impartido por Silvia Garzón

Actriz Atalaya. Coordinadora Laboratorio TNT.

YAYO CACERES Cia. Ron Lalá

DEPORTEATRO: Apuntes de interpretacíón para jugadores de teatro.

“Juego al tenis desde que tengo uso de razón. A los catorce años comencé a hacer teatro, y muchísimos años después se me ocurrió pensar en qué pasaría si mezclaba las dos cosas. Varias preguntas me llevaron a ello. ¿Por qué el deporte es tan entretenido y el teatro tan a menudo no lo es? ¿Por qué los deportistas son capaces de entrenar horas y horas por semana y hay tanta falta de rigor en el teatro? ¿Por qué el deporte está siempre vivo y las obras de teatro, tan pocas veces?”
🎾 ‘Deporteatro’ es el método de entrenamiento actoral que ha diseñado Yayo Cáceres combinando sus conocimientos como director y actor teatral y su experiencia en disciplinas de entrenamiento deportivo de alto nivel. ¿El objetivo? Crear jugadores de teatro. Entrenar a actrices y actores y proveerlos de herramientas efectivas que puedan aplicar diariamente para mejorar las capacidades propias de su carrera profesional.
🎾 El curso tienen carácter intensivo y son impartidos por Yayo Cáceres, director de la compañía de teatro, música y humor Ron Lalá.

En cada sesión, hay una primera parte de calentamiento y puesta en marcha para después pasar al trabajo con las distintas ramas de la interpretación: el texto, la improvisación, el ritmo, la dramaturgia de los objetos, el uso del espacio, la música.
Cuando comenzamos con algo tan diferente como podría parecer ‘Deporteatro’ para quien está acostumbrado a trabajar con los métodos tradicionales de teatro, podría producirse una sensación de desconcierto o zozobra inicial, pero la repetición y la huella motriz van calando en el jugador de teatro hasta poder movernos cómodamente en todas las aristas de la disciplina. Pasado ese desconcierto inicial, se produce una especie de ruptura de las estructuras aprendidas para atravesar luego una profunda crisis (= oportunidad) que desemboca en el caos, para que luego llegue el orden nuevo y seamos jugadores de teatro plenos y conscientes.

JOSE PIRIS

MIMO MODERNO: De la técnica a la creación

Pedagogía Internacional del
Mimo y del Teatro del Gesto
nouveau colombier
• Director del Curso: José Piris /
Discípulo Directo de M. Marceau /
Director de la Escuela Int. de Mimo y
Teatro Gestual Nouveau Colombier
• Itinerario Didáctico:
El Cuerpo Escénico / Poética y
Transposición del Arte del Mimodrama
/ Narrativa de la Pantomima / Código
y lenguaje del Arte del Mimo / Ilusión
y Manipulación, Identificación /
Tr a n s p o s i c i ó n / M í m e s i s / l a
Construcción del Personaje Gestual /
Gramática y Vocabulario del Lenguaje
Corporal / Figuras del Mimo Corporal
Dramático / Géneros del Actor
Corporal, de la Comedia al Cuerpo
Dramático y Poético.
Desde las Filosofías:
Mirada y Técnicas sobre el trabajo de; Marcel Marceau, Etienne Decroux,
Charles Chaplin, Jacques Lecoq, Jakob Müller Dimitri, Peter Brook, Dario Fo,
Jean Louis Barrault, Lindsay Kemp y Jacques Tati.
Presentación:
Cuando hablamos de Interpretación Gestual o Mimo nos referimos a la
acción de expresar nuestros pensamientos, emociones y actos mediante el
cuerpo a través de su forma y energía. Para ello es primordial comprender
cual son nuestras herramientas, cuál es la geografía de nuestro cuerpo, su
articulación y la complementariedad de todas sus partes, su empleo en la
interpretación del actor frente a la búsqueda de comunicar con el público.
El cuerpo tiene su propio lenguaje y a veces no sabemos cómo emplear con
eficacia todo su potencial. Es curioso, vivimos en él desde que nacemos,
pero damos prioridad al desarrollo y estudio de muchas otras cosas antes
que, a nuestra primera herramienta, nuestro cuerpo.
Hay muchas formas de habitar el cuerpo. Nosotros nos centramos en
aquello que se preocupa por recrear el entorno en el cual nos movemos,
desvelar nuestro misterio interior, por interpretar aquello que aflora en la
imaginación, que encarna lo que conocemos como personaje,
deteniéndonos más en su aspecto teatral o interpretativo.
En el cuerpo residen, los gestos, las acciones, las expresiones, las
emociones y su musicalidad, las dinámicas, los pensamientos, los impulsos y
afectaciones, las imágenes que retratan la realidad desde la metáfora del
mismo cuerpo. En definitiva, es con el cuerpo que recreamos el mundo que
nos rodea y nuestro ser interior para poder elaborar una propuesta artística.

TEMARIO
La Gramática del Mimo Corporal Dramático de Etienne Decroux
Consiste en el estudio y ordenación del cuerpo en el espacio, sus
direcciones, su tridimensionalidad y articulación, su complementariedad,
su valor simbólico, sus diversos dinamoritmos. En definitiva resuelve el
cómo aprender a comunicarse mediante la expresión del cuerpo.
Mimo de Style, Técnica y Juego y Repertorio Marcel Marceau
Los Principios Fundamentales del Arte del Mimo, las Convenciones de
Carácter y Emoción, Seguimientos Expresivos, Figuras y Marchas, Los
Cuatro Elementos de la Naturaleza, las Edades del Ser Humano, Lo
Femenino y lo Masculino, Estudio del Animal.
Mimo Danza, Técnica de la Abstracción, Isadora Duncan, Lindsay Kemp
El Juego con la Música en concordancia con el Movimiento, el lenguaje
que nace de lo Figurativo para ir hacia la Abstracción poética del cuerpo,
la Elipsis Lírica y la Rítmica del Movimiento.
Pantomima de Ilusión, Intervención en el Imaginario, Marcel Marceau
El Punto fijo, Manipulación y practicidad de sólidos imaginarios,
Resistencias y sustancias, Los 5 sentidos, Fantasmas y seres animados,
Trabajos y aplicaciones dramáticas, Desdoblamientos, Elipsis,
Metamorfosis y Caracterizaciones.
La Creación Escénica en el Arte del Mimo Moderno
El estudio de las Estructuras Dramáticas, la Narrativa del Mimo, el Estilo y
Género de Interpretación que las representa, la Construcción del
Personaje y Progresión de las Situaciones Dramáticas, los Desarrollos
Emocionales, los Puntos de Inflexión, Detonantes y Transformación, la
Escenoplástia del Teatro del Gesto.

Objetivos
A través de este curso José Piris pretende alcanzar y vivenciar el
lenguaje del Mimo desde una visión actual propia a partir del legado
tradicional del siglo XX. Puntos de referencia serán las bases técnicas
planteadas por sus maestros Marcel Marceau, Etienne Decroux, Jacques
Lecoq y Lindsay Kemp, revisadas por el mismo José Piris a la luz de la
profunda experiencia alcanzada en más de doce años desde la creación,
por su parte, de la Pedagogía Nouveau Colombier.
La manipulación de los elementos del juego dramático, la recreación de
escenas, las técnicas de rutinas y repertorio, los efectos dinámicos, la
morfología y las marchas son recursos llenos de magia e intensidad
dramática. Combinar estas herramientas con la interpretación del
cuerpo, con el mimo y su carácter metamórfico, nos hará descubrir un
universo rico en su vastedad creativa y esencial en el empleo de objetos
reales e imaginarios y juegos de improvisación. El objetivo del curso es
que cada participante aprenda a gestionar su propia expresión corporal
a través de todos aquellos recursos técnicos que le faciliten el encuentro
con un intérprete capaz de recrear un universo dinámico y plástico, que
pueda comunicarse con el espectador estimulando su imaginación. Un
curso a través del cual el alumnado podrá integrar en su bagaje artístico
elementos técnicos, recursos visuales, habilidades corpóreas, así como
un juego escénico expresivo lleno de libertades creativas e
interpretativas.
Todos estos recursos serán muy útiles para el juego del actor físico y
para cada tipo de interpretación. Se trata de recursos sorprendentes
porque gracias al fortalecimiento del potencial expresivo permitirán
descubrir el enfoque mágico del hecho teatral.

CRISTINA ALCÁZAR

Interpretación ante la cámara

¡¡¡¡CURSO COMPLETO!!!!!

Objetivo del Curso: Dotar a los alumnos de herramientas básicas para que se puedan enfrentar a un
rodaje de cine o televisión con mayor seguridad.

1. Conceptos técnicos elementales de un rodaje (marcas, tamaños de plano,
el trabajo de la voz, el racord, etc).
2. Pruebas de cásting: Dudas, preparación, acercamiento al proceso.
3. Búsqueda de acciones y estrategias para darle dimensión al trabajo del
actor frente a la cámara.
4. En un rodaje de cine o televisión, un actor necesita tener claros y
suficientemente incorporados a su trabajo los conceptos técnicos
elementales para que no le distraigan de su verdadero objetivo: conectar

con emociones reales.

Método
Este taller se basa en la práctica.
Se darán algunos conceptos muy básicos (especialmente todo lo que tiene que
ver con la acción u objetivo), y se repasarán otros que cualquier estudiante de
interpretación debe conocer de sobra (antecedentes, estado de ánimo, etc), pero
que a menudo malinterpreta, o bien olvida cuando entra en un set de rodaje.
Una vez hecho esto, el trabajo consiste en ensayar y rodar en vídeo unas
secuencias de guiones actuales. Secuencias escogidas no sólo por su valor
cinematográfico, sino sobre todo por las características de los personajes y de
las acciones que exigen a los actores que las interpretan.
A partir de ahí se grabarán, se analizarán y se estudiarán los problemas técnicos
de cada actor con el trabajo.

Crearemos un lugar para buscar, encontrar, jugar, equivocarse, deshacerse de lo que no nos permite brillar, encontrar nuevos sitios dónde hacerlo.

Desde el proceso de rodaje y análisis de las secuencias grabadas, se extraerán también conclusiones que ayuden a los alumnos a conocer cuáles son sus principales dificultades.

El aquí y el ahora.

JAVIER GODINO

Interpretación en el teatro musical.

En este taller investigaremos cómo llegar al corazón del público en el Teatro musical, contando la
historia, cantando con libertad, interpretando el momento del personaje y disfrutando en el
escenario de cantar y actuar.
Este curso está diseñado para profesionales, actores que quieren cantar, cantantes que quieren
interpretar, para aficionados o amateurs.
Serán cuatro sesiones de cuatro horas.
Los alumnos decidirán la pieza que quieren trabajar. Se interpretarán las grandes canciones del
teatro musical como Jesucristo Superstar, Evita, Rent, Hoy no me puedo levantar, Miserables,
Chicago, etc.
Y se enviará a todos los alumnos una canción grupal para prepararla.
DÍA 1
Presentación
Preparación física
Calentamiento Vocal
Ejercicios grupales
Ensayo de la canción grupal
Reparto de Canciones
DÍA 2
Preparación física
Calentamiento Vocal
Análisis de las escenas/canciones.
Canciones individuales- Primer ensayo.
DÍA 3
Preparación física
Calentamiento Vocal
Canciones individuales- Segundo ensayo.
Canción grupal.
DÍA 4
Calentamiento físico
Calentamiento Vocal
Muestra final
Reflexiones y aprendizaje.

CURSOS EN HORARIO DE TARDE ( De 16h a 19h)

BEGOÑA HERNANDO

El doblaje como expresión actoral

1- Breve introducción al origen del doblaje: fue una solución de ciertos estudios estadounidenses para rentabilizar el cine sonoro en países de habla no inglesa.
2- Consideraciones artísticas útiles para el disfrute, como actor, de esta rama de la interpretación. Consejos también para doblarse a uno mismo.
3- Técnica de sincronización: movimiento de labios, expresión de los ojos, movimiento corporal del actor/actriz, códigos de tiempo, referencias visuales…
4- Análisis de la escena y del trabajo del actor/actriz al que se va a doblar.
5- Prácticas con episodios de series o con películas para entender todo lo anterior.

DENISE DESPEYROUX

DRAMATIZAR: Taller de creación escénica

Este taller está especialmente dirigido a actores pero también admite y
celebra la presencia de autores y directores, ya que se articula como una
serie de encuentros donde se exploran procedimientos de trabajo
encaminados a la creación y desarrollo de escenas teatrales.
Se tratará de mostrar que el actor, entendido como artista creador de ideas y
relatos y no como mero intérprete, puede devenir fundamental en la
producción del acontecimiento escénico. Tendremos ocasión de comprobar
cómo la ficción misma puede ser generada a partir de los propios actores y
nos entrenaremos en una teatralidad donde texto, puesta en escena y
actuación surgen y se desarrollan de forma simultánea y en perpetuo
y fecundo intercambio.
TEMAS

  • El papel del azar en el acontecimiento creativo.
  • La fidelidad al procedimiento (lúdico e indiferente a los contenidos) en la
    creación de ficciones
  • La hegemonía del estar sobre el hacer en el entrenamiento del actor.
  • El teatro como sistema de construcción de apariencia y no como
    representación de lo real.
  • El caos y la complejidad como condición de vida escénica.
  • La huida de la solemnidad y la búsqueda de matices.

DESARROLLO
El taller tiene un carácter eminentemente práctico, aunque también habrá
momentos para la teorización y el análisis. A lo largo de las sesiones se
propondrán ejercicios de entrenamiento actoral que se emplearán también
para reflexionar sobre cuestiones relacionadas con la actuación, la
construcción de relatos y la especificidad del arte teatral. Los materiales
que se generen a lo largo del curso se ordenarán atendiendo a las
posibilidades de juego que brinden, que se irán desplegando en las
diferentes sesiones.

LUIS FERNANDO DE JULIÁN

¡¡ULTIMAS PLAZAS!!

DRAMATURGIA DE COMBATE: La trinchera del aquí y el ahora

PRESENTACIÓN

“En la cultura, como en la naturaleza, frecuentemente
sistemas que son producto de fuerzas selectivas no logran
sobrevivir, no porque sean deficientes o irracionales, sino
porque encuentran otros sistemas que están mejor adaptados y son más poderosos.
MARWIN HARRIS


“[…] otras formas de resistencia a la opresión simbólica de la velocidad y el exceso son
posibles. […] Justamente lo que hoy cabe esperar de un trabajo intelectual y artístico
que haga reflexivo el mundo al que mira […] Una reveladora suerte de intersticios
blancos, tiempos propios o espacios vacíos que nos faciliten cambiar de unas ideas a
otras, cortocircuitar verdades creadas, ser palancas subversivas”. El entusiasmo. Precariedad y trabajo creativo en la era digital.
Remedios Zafra.


El presente taller se presenta como un intersticio blanco, una trinchera desde la que
construir una dramaturgia que no obedece a las tendencias de mercado sino a las
necesidades intelectuales y emocionales de creadores y creadoras. Por tanto, el taller
Dramaturgia de combate. La trinchera del aquí y el ahora tiene como objetivo
convertirse en una inmersión teórica y práctica en la creación de textos teatrales cuyo
punto de partida es el aquí y el ahora; utilizando tres ejes fundamentales como son el
conocimiento, la reflexión y la práctica.
El alumnado se familiarizará con los conceptos utilizados por el dramaturgo docente en
el desarrollo de su carrera dramatúrgica de marcado carácter comprometido y social, así
como aportará su propia visión y experiencia sobre los componentes dramáticos que
arman un texto teatral capaz de profundizar y dar respuesta a sus inquietudes como
individuo social: acción, lugar, realidad, diálogo, lenguaje, tono, personajes… al tiempo
que crea una pieza teatral breve o un borrador de una obra mayor, guiado por el docente
y el propio grupo de trabajo.

METODOLOGÍA/ CONTENIDOS
El taller se dividirá en cuatro sesiones de tres horas que a su vez se dividirán en tres
partes:
1- Parte teórica. El docente expondrá sus apreciaciones personales sobre los conceptos
a tratar en base a su experiencia.
2- Parte debate/reflexión. El docente propiciará el aprendizaje colectivo a través de
dinámicas que aborden temas transversales desde diferentes ópticas.
3- Parte práctica. Cada alumno trabajará sobre su propio proyecto y tendrá la
oportunidad de nutrirse del grupo así como volcar sus ideas para que otros las
aprovechen.
SESIÓN 1
Presentación del curso.
Presentación del alumnado.
Exposición Teórica:

  1. Escribir desde la trinchera del aquí y el ahora.
  2. Palabras como armas.
  3. La dramaturgia convertida en resistencia cultural.
    Dinámica de debate/reflexión:
    1- ¿Cómo construimos una dramaturgia del aquí y el ahora?
    2- ¿Lo que quiero contar VS lo que quieren que cuente?
    Práctica grupal: Técnicas de creatividad para generar puntos de partida.
    Práctica individual: Elección de puntos de partida y escritura.

SESIÓN 2
Exposición teórica:

  1. Universo lenguaje: poético, simbólico, onírico, político, crudo y mordaz.
    Dinámica de debate/reflexión:
  2. ¿Un lenguaje para combatir?
    Práctica grupal: Volcado de ideas sobre los puntos de partida.
    Práctica de escritura individual.

Exposición teórica: Construcción de personajes actuales.
Dinámica de debate/reflexión: Imaginario colectivo y mainstream.

SESIÓN 3
Exposición Teórica: Todos los elementos que pueden participar en la construcción del
texto teatral.
Dinámica de debate/reflexión: Escribir no es montar.
Práctica grupal: Exposición de los procesos individuales y retroalimentación.
Práctica de escritura individual acompañada/tutorizada.

SESIÓN 4
Exposición teórica:

  1. Estructuras, ritmos y tonos para un texto.
  2. Lugares que engloban al personaje e invitan a la acción.
    Dinámica de debate/reflexión: ¿Necesitamos un final feliz o un buen final?
    Práctica de escritura individual.
    Puesta en común de los textos y lectura final.
    Evaluación del curso. Recursos para dramaturg@s.

JUANA LOR Cia. kAbia Teatro

Del Arquetipo al Personaje

Este taller monográfico tiene como objetivo presentarte una serie de
herramientas escénicas que puedan servirte para construir y dar
profundidad a los personajes teatrales que vayas a encarnar en distintos
proyectos artísticos. ¿Es tu personaje más individualista o independiente o
tiene tendencia a depender de los demás personajes para avanzar en la
trama? ¿Tiende el personaje al conflicto, al enfrentamiento directo o a la
lucha o aboga más bien por seducir, proteger o calmar el entorno con su
presencia y sus acciones?
La idea base de este taller es poder trabajar con 7 Arquetipos femeninos
de la Mitología Griega para que cada actor o actriz pueda contar con una
paleta de 7 “colores” que poder aplicar en su trabajo de desarrollo de
personajes o cualidades energéticas para la escena. Este material de
entrenamiento está basado en el libro de Jean Shinoda Bolen llamado “Las
Diosas de Cada Mujer”.
Estas son las materias que trabajaremos durante el curso:

  • Presencia individual y presencia relacional en escena
  • La escucha grupal
  • Trabajo actoral con cada uno de los Arquetipos desde el cuerpo
  • Trasvase desde el cuerpo al trabajo de la voz y el texto

Juana Lor – Workshop: Arquetipos de Mujer_un entrenamiento actoral

¿Cómo lo haremos?
PASO 1: Lo independiente versus lo relacional
Una de los aspectos que más me llamaron la atención de la presentación
que hace Jean Shinoda Bolen de los 7 Arquetipos de Diosas Griegas es su
defensa de que la autonomía y la capacidad de fijarse objetivos y de ir a
por ellos son cualidades tan eminentemente femeninas como la capacidad
de vinculación y de entrega al otro/a que tienen las mujeres. Partiendo de
esta dicotomía realizaremos una serie de dinámicas encaminadas a
trabajar la individualidad en escena para pasar después a la mutualidad y
finalizar con la grupalidad. Estas dos bases de presencia escénica serán la
piedra angular del siguiente paso del trabajo donde conoceremos a cada
uno de los 7 Arquetipos femeninos.

PASO 2: Incorporar la esencia de cada Arquetipos
En este segundo paso iremos conociendo una a una, a las diferentes
diosas griegas, tanto a aquellas de carácter independiente como a las
diosas relacionales con el fin de aprehender su esencia. Hablamos aquí por
tanto de: ATENEA, ARTEMISA Y HESTIA, por un lado. (Diosas
independientes) y de PERSÉFONE, DEMETER Y HERA , por el otro. (Diosas
relacionales). Finalmente conoceremos a AFRODITA, un arquetipo que
guarda un as en la manga.

PASO 3: Trasvase a escena
Para finalizar el workshop, realizaremos un último trabajo conjunto donde
trataremos de llevar a escena el trabajo realizado con los Arquetipos en
una improvisación grupal guiada por distintas dinámicas e hitos que l@s
participantes irán traspasando. Creo que es una bella forma de finalizar las
sesiones de trabajo donde podremos atisbar distintas posibilidades de
cómo llevar a escena el trabajo realizado con estas esencias femeninas.

Juana Lor – Workshop: Arquetipos de Mujer_un entrenamiento actoral

Necesidades y requisitos de participación:

  • Este curso está abierto a todo tipo de participantes. En tod@s hay
    esencias “femeninas” que podemos desarrollar actoralmente.
  • L@s participantes traerán aprendido de memoria un texto
    seleccionado que haré llegar a l@s participantes. En caso de que
    exista interés por trabajar con unos textos concretos, podemos
    hacerlo.
  • L@s participantes traerán ropa cómoda de entrenamiento en cada
    sesión.
  • Las sesiones empezarán con puntualidad.

JAVIER HERNÁNDEZ SIMÓN

ANALISIS EN ACCIÓN: El texto teatral como motor de la construcción del personaje.

El curso “Análisis en acción: El texto teatral como motor de la construcción del
personaje” que ofrezco, pretende dotar de herramientas a los actores y actrices a la
hora de enfrentarse a la construcción de un personaje complejo, desde un punto de
vista contemporáneo.
A la hora de afrontar la composición de un personaje, los y las intérpretes deben saber
entresacar desde el mismo análisis de la obra, aquellos conflictos y temáticas
fundamentales en el desarrollo de la obra.
Y en este trabajo, el texto literario dramático se convierte en base fundamental a la
hora de abordar la construcción tanto de los personajes como de los conflictos que los
configuran
El análisis en acción, constituye una herramienta profundamente enriquecedora a la
hora de abordar el trabajo interpretativo, ya que sustituye el trabajo de mesa que
normalmente se hace en los ensayos, por una forma de trabajo que ayuda a no
intelectualizar el trabajo del actor y la actriz, y que sin embargo funciona como un
riguroso análisis del personaje y los conflictos.
De esta manera, el intérprete analizará su personaje desde un trabajo ya puesto en
pie, facilitando que entienda los conflictos y verdades del personaje desde el cuerpo y
la emoción y no sólo desde el intelecto. Esto ayudará al intérprete a construir su
personaje de una forma más natural y creativa.
Por tanto, a través de este trabajo, en el que el texto literario dramático es madre de la
creación teatral, se evitarán tanto en el trabajo interpretativo las incoherencias y los
bloqueos de conflictos que sólo se entienden desde el intelecto y que luego resultan
complicadas de trasladar a la puesta en escena o a la creación del personaje teatral.

Objetivos del curso

El objetivo final del curso, pretende hacer entender al intérprete que a pesar de que
trabajan en una rama artística, la resolución de los trabajos no debe dejarse
exclusivamente en manos de la intuición y a la inspiración.
A través del trabajo riguroso, profundo y consciente que se hace con el análisis activo,
se busca obtener no sólo resultados conscientes, sino también favorecer a partir de la
comprensión profunda del texto literario dramático y los conflictos que contiene, una
forma natural, emocional y física de construir tanto el personaje como la
escenificación. Equilibrando de esta manera el trabajo intelectual, que prima durante el
trabajo de mesa, con el trabajo emocional y físico del intérprete. Y como consecuencia
de ello, favorecer que el resultado inconsciente, eso que llamamos inspiración, pueda
aparecer con mayor facilidad y prontitud.
Otra serie de objetivos son:

  • Dotar al alumno de herramientas y sistemas para ser capaz de analizar un texto
    teatral
  • Enseñar al alumno ejercicios que le faciliten la construcción del personaje a partir del
    análisis realizado
  • Afianzar los fundamentos en los que se debe cimentar la construcción del personaje
  • Enseñar al intérprete a construir su personaje en sintonía con el compañero que tiene
    en frente (escucha)
  • Establecer de forma física y emocional términos intelectuales como verdad, objetivo o
    conflicto
  • Dotar de herramientas al alumno para saber comunicarse con el director de escena o
    viceversa
  • Enseñar ejercicios para no intelectualizar los conflictos del personaje y trabajarlos
    también de forma física y emocional.

Programa detallado del curso

  • Trabajo de análisis de texto de las diferentes escenas que se trabajen. Este
    trabajo estará enfocado a la disección de los conflictos primarios y secundarios de
    las escenas para a partir de ellos, enfocar tanto el trabajo interpretativo como el de
    dirección. Se buscará dotar al alumno de herramientas que le ayuden tanto a
    entender el texto como a encontrar los puntos clave a los que agarrarse a la hora
    de trabajar sobre la escena.
  • Trabajo interpretativo sobre la escena: El profesor trabajará con los actores
    buscando la relación e interiorización de los conflictos y temáticas encontradas en
    el punto anterior, de cara a que el trabajo del actor vaya de la mano del diseño
    pactado de la escena. Se busca que el actor no sólo logre una buena
    interpretación, sino que dicha interpretación apoye y signifique la lectura
    contemporánea que se ha hecho de la escena

El curso será eminentemente práctico desde el primer día

Se trabajará sobre los siguientes textos literario-dramáticos del poeta Federico García
Lorca

  • Bodas de sangre
  • La casa de Bernarda Alba
  • La comedia sin título

Metodología

El trabajo a realizar será practico desde el primer minuto, y se fomentará en todo
momento la participación activa del alumnado, no sólo en su participación como
intérpretes, sino a la hora de expresar sus opiniones, miedos y dudas.
Se trabajarán distintas escenas de las obras seleccionadas por el profesor
previamente, y que el actor haya leído y memorizado antes de comenzar el curso.

Necesidades

Para realizar dicho curso se necesitan:

  • Aula espaciosa para trabajar las escenas
  • Pizarra y material para escribir y borrar sobre ella
  • Mesas y sillas
    Los alumnos no deben aportar ningún material, tan sólo leer las obras de teatro sobre
    las que se trabajará en el seminario.

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